在哥本哈根，看见设计的真心

今年哥本哈根3DaysofDesign设计节于6月18日至20日举行，《Wallpaper*》中文版依旧在现场发回报道。

临近夏至，哥本哈根的日照时长已然长达17.5个小时。在漫长的白天里，我们在各自品牌的自有展厅，或在设计机构/平台的限时展览中游走，阅读其幕后故事、价值观与美学世界，并建立更私密的观展体验。

在今年哥本哈根3DaysofDesign设计节中，一批我们熟知的“老朋友”超越了单纯的产品更新，呈现为一场关于设计本质的集体反思——经典品牌以创新为锚点，重新校准传统与当代、功能与情感、个体创造与集体记忆的关系。

HAY与艺术家合作的陶瓷系列，本质上将艺术家私人感知经验公共化；Flos通过复刻与再诠释，构建了一条连接设计史与当下需求的时间隧道；Kvadra的新系列Frequency彻底跳脱“面料装饰性”的传统框架，转而构建一套感知系统；FermLiving则通过合作，达成了设计、建筑、出版的三角对话：建筑空间激发产品设计、出版承载建筑理论、而展览成为两者交融的现场。这种多维叙事重构了“设计合作”的边界。

灵感源自文艺复兴时期的Majolica陶器，Kohlmann希望保留绘画的即时性与感受性，而非只是将图案印在器皿上。整个系列包含近二十件作品，包括盘子、碗、陶瓷隔热垫、水罐与花瓶，每件器物都由她亲自绘制图案，延续了她标志性的图像母题如女性身体、动植物与神秘符号。这源自她对史前艺术与中世纪陶器的迷恋，也体现了她对“图像先于语言”的直觉表达方式的持续探索。在色彩选择上，Kohlmann融入了对哥本哈根的观察，如港口的蓝、街区立面的赭黄和建筑结构的深红，为这些陶瓷赋予熟悉而异域的气质。

Tradition再度携手挪威设计工作室AnderssenVoll发布全新沙发系列HiLo。这款模块化沙发将极致舒适与雕塑语言结合，以贴近地面的低座姿与高包裹度创造出独特的沉浸式坐感。其C型侧影、高低对比的结构比例，以及面料自然褶皱带来的柔软外形，共同构成一种非正式却高度考究的视觉语汇。

HiLo的名称意指“高舒适度”和“低座高”，同时也隐含对HiFi文化的致意。正如设计师所言：“它是一种让人可以完全放松，但不失社交姿态的姿势载体。”设计过程中，设计团队以手绘草图起步，通过实物尺寸模型不断调整比例与结构，强调身体经验优先于图纸逻辑的创作方式。最终呈现出的不仅是一件沙发，更是一种空间中被动释放与主动交流之间的平衡媒介。

VERPAN以“LivingwithOurSenses”为主题打造了一场沉浸式展览，邀请观众从视觉、听觉与触觉出发，重新感受VernerPanton设计语言的当代表达。展览围绕多个代表性家具与灯具展开，通过空间节奏、色彩构图与材质互动，呈现设计师对生活氛围与感知体验的前瞻探索。

本次展览的两大亮点集中于灯具新品。Pantop系列发布八款全新高光泽配色，如奶油白、夜蓝、樱桃红、浅水绿等，在保留1980年经典钟形轮廓的同时，为这一代表作注入更具当代感的视觉表现。并通过漆面金属、织物电源线、镌刻灯柱等细节工艺精心打磨，延续Panton对色彩与气氛的敏锐感知。同时首度亮相的WireØ18PortableLamp则是1975年原作的全新小尺寸便携版本，保留标志性的金属结构与半球灯罩，加入无线充电设计后轻盈灵活，适配居所、户外与工作场景。

VERPAN以此回应当代生活方式的多元转向，也延续VernerPanton将功能性与情绪体验并置的设计精神。

芬兰设计双雄Artek与Marimekko联袂推出限量家具系列，并藉此献礼Artek90周年庆典。该系列于设计节期间，在Marimekko哥本哈根旗舰店率先呈现概念预览展。系列核心以AlvarAalto经典桦木家具为基底，融合Artek标志性的木材弯曲工艺与Marimekko设计师MaijaIsola为Arkkitehti系列创作的建筑感印花，将Marimekko大胆循环图案重新诠释于曲木之上。

此次联名立足两大品牌共享的精神内核——由建筑、自然与人文实用主义塑造的大胆诗意，首次碰撞即催生将美与愉悦注入日常之作。概念展由LindaBergroth操刀，通过特定场景着重呈现Artek简约诗性与Marimekko愉悦内核的相得益彰。

纺织先锋Kvadrat以两个全新系列揭示品牌在织物语言中的当代表达。主展亮点包括住宅纺织系列Frequency，以及KvadratAcoustics的突破性声音调控窗帘Waves。

Frequency系列深入探索光、色彩、运动和节奏的织物表现手法，呈现出一种多感官铺展的空间体验。展厅中，悬挂布幕仿佛漂浮于水面之上，织品纹理在移动中更显韵律与层次，吸引观众以视觉和触觉共同感知纺织的频率与肌理。

本系列由三位设计师及设计工作室共同参与：柏林工作室MeyersFügmann带来Moiré与Echo，以光影干涉与图案节奏为灵感；跨界设计师KatrinGreiling创作了Lines与Intermission，以线性结构演绎空间节拍；Kvadrat创意总监IsaGlink设计的Reflect与Shimmer则捕捉光线在织物表面流动的层次感。三组作品共同组成一个从物理频率延展至感知频率的织物系统，展现了纺织在当代空间中的情绪表达与结构潜力。

此外，KvadratAcoustics对外开放了其设计工作室，全面展示Waves窗帘系列。Waves旨在与现有建筑结构无缝集成，提供灵活的声学解决方案。该系列由三层到四层组成，具体取决于所需的声学性能，正反面均采用Kvadrat面料，内芯则为隔音层。这种多层结构通过巧妙地融入专利胶带和挂钩，有效减少层间摩擦，从而实现精准的隔音效果和完美的波浪形悬垂效果。在设计工作室中，Kvadrat还同步展示了这一系统的细部构件与结构原理，使观者得以理解材料、构造与声学之间的深度关联。

设计节期间，FermLiving以一场由三大板块构成的策展式叙事，引领观者踏上一场“放慢脚步”的城市冥想。

从品牌总部展厅的LivingwithFerm开始，空间以细腻触感进行一场美学的实体宣言，于精心编排的生活场景中探讨设计与日常的温柔共生。行至地标广场KongensNytorv，历史电话塔变身的限时DappleBar首发全新户外系列，以捕捉叶隙光影的有机线条与自然色彩，为都市户外注入松弛诗意的当代美学。最后于老城书店NewMags，携手Apartamento杂志呈现MeditationsonCanLis建筑特展，展出受JørnUtzon的马略卡岛私宅启发的春夏新品，并同步发布收录大量未公开档案的新书，跨越建筑、设计与出版，展开一场关于空间语言与创作逻辑的深度对话。

FermLiving藉此城市漫游，邀请人们步入真实生活空间，重新发现哥本哈根的设计日常，于其间觅得灵感角落。

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意大利灯具品牌Flos欣然参展本届设计节，于两处精心选址呈现其创新光芒。在位于Kuglegårdsvej15的常设展厅内，FlosArchitectural推出集多功能性、高性能与精妙设计于一身的模块化照明系统TheGlowingTrack。与此同时，市中心MartinAsbaekGallery则化身为限时艺术灯光空间，首度于斯堪的纳维亚地区展出6组于米兰家具展惊艳亮相的装饰灯具新作：包括MichaelAnastassiades的模块化玻璃灯具Linked、ErwanBouroullec的Tyvek材质Maap壁灯、RonanBouroullec的轻盈玻璃吊灯LuceSferica与LuceCilindrica、KonstantinGrcic融合工艺与工业感的Nocturne系列，以及传奇大师TobiaScarpa1963年稀有木制落地灯Seki-Han的复刻版。

呼应本届设计节的“KeepItReal”主题，Flos的策展不仅聚焦产品本身，更致力于“真实溯源”——通过致敬每位设计师独特的个人表达，平等照亮其创作历程中的思想火花与情感力量。

在今年设计节中，功能主义与人文精神在设计领域深度交融。北欧设计新锐力量，或强化自身品牌叙事，或借由平台集结发出更大声量。而距离本土不远万里，亚洲设计也正以独特的细腻情感表达，润物无声化形于北欧设计舞台之上。

Tekla的“ModernRomance”：将19世纪东欧刺绣（broderieanglaise）转化为当代寝具的镂空肌理，以白色织物为画布，用细密针法重构维多利亚时期的精致美学；studiososlow的海洋叙事：意大利潜水教练与泰国海岛的邂逅，催生出AcquaeSale系列；üger×HenningLarsen的“精神性设计”，体现“以持久性替代消费”的可持续哲学；BodilManz的盐烧陶瓷：80岁大师将几何教具模具转化为盐烧实验，釉料在高温中流动凝固，呼应北欧功能主义对“形随机能”的坚持。

作为比利时品牌，ValerieObjects凭借彩色钢制桌椅扎根哥本哈根街头，延续北欧民主设计精神；HomefromHome的反叛策展：抛弃理想化样板间，以“光线引导路径”“物品散落角落”还原真实生活场景，共构“家的生长性”，质疑预设设计逻辑；91-92工作室的Pavilion灯具以柔性材料实现模块化堆叠，Pascal灯罩适配旧灯座延长生命周期，将技术转化为“日常可持续性”。

在查洛滕堡宫内，Tekla以全新“ModernRomance”系列展开一场关于装饰工艺与极简风格的对话。该系列以传统broderieanglaise（英式刺绣）为灵感，将19世纪床品的刺绣语言转译为当代寝具的柔性装饰细节。展览共呈现三款被套、三款枕套与两款装饰性靠枕，以柔和的白色织物为基底，在克制的廓形中引入轻盈、通透的镂空刺绣与细密针法，为床品注入含蓄却富于细节的表达。

作为一种源自16世纪东欧的白色绣法，broderieanglaise在维多利亚时期广泛用于女性服饰与家用布品，兼具实用与精致之美。展览空间和床具由本地建筑事务所MentzeOttenstein设计，格鲁吉亚工匠打造的木床与刺绣床品共同呈现视觉层次。作曲家AstridSonne创作了四段配乐，在清醒与梦境之间编织听觉节奏，与织物的肌理与床的构造形成内在共鸣。

设计工作室studiososlow在本届设计节带来全新家具系列AcquaeSale。该系列由一次海岛潜水旅程触发，设计师Liz在泰国的岛屿上与一群意大利潜水教练邂逅，在异文化交织、独行者情绪与自然景观叠加的感官体验中，逐渐形成了这个系列的最初动机。系列包含台灯、镜子、边几、椅子四件单品，共同营造出一种融合而松弛的岛屿氛围。

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丹麦建筑事务所HenningLarsen近日在斯坎讷堡(Skanderborg)完成了Højvang教堂的现代化改造，打破传统教堂的封闭性，创造出一个面向社区开放、光线充盈的精神聚场。教堂的核心空间环绕讲坛与洗礼池呈圆形展开，300把Ekko椅如水波般层层铺展，形成视觉与精神的双重回响。Ekko椅由HenningLarsen与百年家具品牌üger历时18个月联合开发，标志着HenningLarsen在时隔60多年后重返椅子设计领域。

其灵感融合建筑的秩序与丹麦传统家具风格。椅子在极简外形中实现了结构创新，采用专属榫卯技术从而实现高效收纳。蒸汽弯曲木材与手工亚麻织带的材质选择，使其具备时间沉淀的美学价值，体现“以持久性达成可持续”的设计理念。虽然为教堂而生，它已被纳入üger产品系列，成为一件脱离特定场所、依然具备精神意味的当代家具。

这次展览的新作，Manz在展览手册背面讲述了一个动人的故事：“自我二十岁出头起，一个由三种几何元素组合而成的模具便一直伴随着我，仿佛一种必要的灵感源泉，这个立体形状包含一个半圆、一个圆锥体和一个基座。”这个曾被用作几何课的绘图模型的造型物，在60年后，由Manz重塑形态。她尝试了盐烧工艺，在模具的不同元素上测试釉料、色彩与质感，然后将它们一起烧制成一个整体。

虽然是首次正式参展3DaysofDesign设计节，ValerieObjects的作品却早已在哥本哈根这座城市留下了色彩印记，其标志性的彩色钢制桌椅，凭借其轻盈结构与大胆配色，已成为众多餐厅、咖啡馆与创意办公室的首选家具。多年间，这一比利时品牌在城市街头悄然积累起一批追随者，也印证了ValerieObjects所倡导的理念：设计应回归日常，回归触手可及的真实生活。此次在LilleBlå酒吧的展出，不仅是一次官方亮相，更像是回访一个早已熟识的舞台。

ValerieObjects由Serax首席执行官AxelVanDenBossche与ValerieTraan画廊主理人VeerleWenes共同创立，涵盖家具、灯具、餐具等多个品类。本次展览设于葡萄酒吧LilleBlå，将一系列新作与经典作品自然嵌入酒吧的日常情境：吧台上的托盘与酒杯、转角处的吊灯、室内外随性堆叠的桌椅等，来自MullerVanSeveren、MaartenBaas、MariaScarpulla、Big-Game、WhiteDirt等风格迥异的设计师之作在此汇聚。ValerieObjects持续探索“生活之物”的边界：不仅可用，更值得感知与留存。轻盈的酒吧氛围中，设计以最贴近生活的方式展开一次小而深的实验。

3D打印设计工作室91–92呈现两组全新灯具系列——Pavilion与Pascal，延续其以3D打印探索材料、工艺与日常生活之间关系的创作路径。Pavilion系列采用柔性材料3D打印灯罩，折线形结构可伸展、折叠，支持模块化堆叠，展现小尺度打印在功能与形式上的可能性。Pascal系列同样以柔性材料打造，拥有如充气造型般的圆润轮廓，散发柔和漫射光，带来轻松、愉悦的空间氛围。设计初衷源于为旧灯座寻找合适灯罩，强调与现有灯具的适配性，鼓励用户延续旧物生命周期。

Pascal提供两种不同表面肌理，体现出3D打印在光感、触感控制方面的潜力。91—92通过这两组新作，持续探索更具灵活性与可持续性的设计路径，尝试将技术与再生材料的可能性，转化为贴近日常、富有表现力的生活物件。

不同于寻常的展厅，HomefromHome以一种感性的方式探讨室内空间如何承载人们日常生活中的情绪与节奏。展览不在于呈现一个理想化的住宅模型，而是邀请观者沉浸于一个被时间、光线与本能行为所塑造的一系列居住的真实状态中。物品随手摆放或是出现在意外的角落、光线引导路径、空间在独处与交流之间不断切换。看似随意的场景中有许多值得驻足体味的细节，也收入了众多包含建筑师CarolineSillesen、设计工作室APOHLI在内的极具表现力的艺术作品。

策展人试图回应一个问题：家的空间逻辑，是否源于我们对日常经验的直觉反应，而非预设设计？展览强调生活的二元性：休息与行动、连接与孤独、明晰与模糊，构成一种层叠而真实的居住感受。在这里，家不再是一个静态场所，而是一种随人心境与时间变化而生长的存在。通过这一实验性场景，观众被邀请重新感知日常空间中那些微妙但深远的转变。

在设计展览中，设计成果的呈现是最重要的策展部分，在哥本哈根设计节，我们同时也可以期待一场场精密而大胆的实验——工具重塑流程、材料挑战边界、空间解构认知。

将工具作为策展思路，以一台轻便液压机为核心，同步展示模具与制作影像，将“工具参与设计”的过程透明化——简化流程、降低本地化生产成本，宣告“精密制造无需巨型工厂”；生物材料公司MycoWorks联合五大丹麦工作室，将菌丝体（Reishi）推向设计前沿；ProjectMateria则完成了古老材料的数字化：意大利工匠的传统技艺在此回应炼金术的“物质变形”精神——材料在毁灭与重生中获取新灵魂。

在“生活结构（StructuresofLiving）”展览中，Frama援引BrunoMunari1970年代垂直系统Abitacolo，质疑家居为何被囚禁于二维平面，倡导设计向上延展，解放墙壁与空中维度；LouisPoulsen则与时装艺术家以纺织穹顶重构Panthella灯具，在庭院中搭建超现实空间将灯具转化为可进入的“身体尺度实验室”。

BreadandButter的十二位设计师发展出独特的器物关系学，通过形态差异、功能互补或文化并置，探讨“配对”如何定义身份、创造系统或引发意外对话；BjarkeIngels开放总部举办“Materialism”展，以石、土、混凝土等七种材料为切片，展览追问：当算法遇见直觉，科技能否延续传统灵魂？

设计师们使用3D打印模具配合小型液压机，对金属、层压板等材料进行压制成型，在保持结构精度的同时显著简化流程并降低生产成本。这种方法既提升了实验效率，也为小规模本地化生产提供了可能。展览现场不仅呈现最终成品，也同步展示模具实物与制作影像，让观者直观看到工具如何深度参与设计过程。

3DaysofDesign期间，生物材料公司MycoWorks携手策展人Marie-LouiseHøstbo及五位丹麦先锋设计工作室，于GalerieMøllerWitt画廊（Bredgade67）推出菌丝体材料Reishi设计特展“北欧之光下的Reishi”。这种介于皮革与织物之间的生物材料兼具柔韧性与耐用度，可染色、压纹、上漆，拓展了了可持续材料的应用可能性。

5组设计师将自己擅长的设计理念运用其中：AtelierAxo的可变形壁灯通过金属与Reishi™探索光影；MariaBruun的模块屏风融合木材与菌丝体；FrederikGustav的悬吊灯以钢架结构呼应有机形态；CecilieManz的极简篮器展现俄勒冈松木与菌丝薄片的共生；OEOStudio的Centurio灯具诠释“极简张力”。

Frama的空间以其永恒、现代、简约的设计，与老药房的经典内饰形成鲜明对比。在设计周期间，他们呈现主题为生活结构（StructuresofLiving）的新品发布及展览活动，并邀请ForScale为其撰写设计批评文章。

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在新港运河岸边的一处静谧庭院中，LouisPoulsen携手丹麦前卫时装设计师兼艺术家HenrikVibskov，将品牌展厅转化为一个超现实的沉浸式空间“CircleDomeSquare”，致敬丹麦设计大师VernerPanton的经典灯具Panthella。装置以色彩饱满的纺织结构构成穹顶，邀请观者放慢脚步，在层层包覆中静思与游历。Vibskov以其擅长的纺织语言，重释Panthella灯具的圆润轮廓与柔和光晕，并通过几何形体与织物肌理的融合，构建出一个兼具现实与幻觉感的视觉剧场。

这是LouisPoulsen首次通过艺术装置的形式重构Panthella，将其感官潜力激活于当代空间之中。作为一位跨足时装、装置、舞台与音乐创作的多元艺术家，Vibskov长期致力于构建具象又富表现力的空间叙事。“CircleDomeSquare”正是一次以光为媒、以身体为尺度的沉浸实验，不仅回应Panton充满幻想与人文关怀的设计哲学，也为光影设计开辟出一种更具感知张力的表达路径。

BreadandButter是一个面向年轻设计师的巡回展览平台。每届展览都会在不同的城市举办，将书店、沙龙、餐厅和停车场等日常空间改造成合作的舞台。在3天设计展期间，BreadandButter将与扎根哥本哈根当地的韩国餐饮品牌Kopan的最新餐厅OURI合作举办首届展览。

受邀的十二位设计师围绕“完美配对”概念展开创作。在餐桌语境下，刀叉、盐罐与胡椒瓶等物件天然成对，不仅满足日常必需，更承载联结情感与提供慰藉的深层意涵。设计师们立足各自文化与材料语言，打造出功能互补、形态呼应或理念共生的成对器物：有些组合运作方显完整系统，有些则借彼此定义身份；或形态近似蕴含细腻差异，或独立残缺而配对始成完整。展览更延伸“配对”边界，将不同文化背景的创作并置于同一餐桌，让它们在意外碰撞中形成新对话、新联结与新关系。

在事务所首层的通高空间中展出了多件装置艺术作品，BIG与HumansSince1982和天然石材品牌SolidNature共同创作的作品AmillionTimes,ClockClock24让石材成为精准编排时钟运动的画布，营造出永恒与短暂之间的对话。

另一侧的精细木雕则来自BIG在威尼斯建筑双年展上的装置AncientFuture，展示不丹Gelephu机场的传统木雕与机械臂共创场景。这场古老与未来的共创实验，正是BIG所倡导的材料观念缩影——在算法与直觉、传统与科技之间寻找交汇点，唤起人们对建筑根源与前路的再思考。

HelleMardahl将标志性的BonBon玻璃器皿以两种大理石复刻，LauridsGallée以白色大理石与古铜融合打造出具图腾感的动物桌，AndrésReisinger则将原属数字世界的花瓣造型实体化为温润青铜器。展览选址于一个阳光洒落的庭院，27件作品陈列于绿色展台之上，营造出一种时间凝止、感官开启的奇妙现场。

设计节的喧嚣终会归于哥本哈根平和的日常。但那些在品牌展厅、临时空间、甚至街头巷尾发生的私密体验与真实触动是被看见的真心——关于物的由来、技艺的温度、空间的诗意、情感的承载，将会长久沉淀。它提醒我们：设计，远不止于视觉的盛宴，更是一场关于如何生活、如何感知、如何与世界建立更深刻联结的持续实验，以及其背后那份对日常本质不懈探索与真诚回应的赤诚之心。当白昼渐隐，正是这份被看见的、跳动的设计真心，如同不灭的星光，将继续照亮我们理解生活、塑造世界的道路。

撰文：Rui、相笑

视觉：shika